Auteur/autrice : Dominique_Moulon

L’exposition collective Labouring Bodies du musée Tinguely est consacrée à la relation du corps des femmes aux techniques ou technologies qui n’ont de cesse de façonner nos sociétés contemporaines. Aussi, il est naturel que la commissaire Sandra Beate Reimann se soit penchée sur l’histoire de l’informatique dont le narratif est plutôt masculin bien que depuis quelques années on commence à en reconsidérer la part féminine, allant des employées aux inventrices. Dans la photographie datant de 1958 de l’Américaine Berenice Abbott – dont on sait l’attachement qu’elle portait aux sciences et techniques –, la tâche de la travailleuse consistant à se repérer dans l’enchevêtrement des câbles d’un calculateur IBM apparaît démesurément complexe. La dactylographie avec ses activités répétitives, elle, a souvent été assignée aux femmes. C’est donc une machine à écrire de type Erika que Rebecca Horn met en scène en 1992. Un mécanisme situé au-dessus de la machine permet de l’activer automatiquement à distance avec quatre longues tiges. Avec une telle pièce cinétique, s’agissait-il pour l’artiste allemande d’évoquer l’aliénation des tâches répétitives ou plutôt une forme de libération mécanique des tâches en question ?

De son côté, Tabita Rezaire présente son projet numérique Sugar Walls Teardom de 2016 que l’on visionne installés sur une chaise d’accouchement. On pense alors à cette tendance Care de l’art, bien que la séquence, essentiellement en 3D avec des incrustations vidéo, oscille entre le politique et le méditatif. Ici, l’utérus est le point central. L’occasion pour artiste franco-guyano-danoise d’évoquer les pratiques controversées du chirurgien américain J. Marion Sims qui a effectué des expérimentations sans consentement ni anesthésie sur des esclaves afrodescendantes. De la salle de travail à la maternité, il n’y a qu’un pas que l’on franchit avec Katja Novitskova et son installation Pattern of Activation (Mamaroo nursery, dawn chorus) qui mobilise notamment trois berceaux électroniques. L’artiste estonio-néerlandaise a remplacé les nourrissons par des éléments de facture organique. Cela a pour effet d’évoquer une forme de soin qui pourrait nous échapper si notre confiance immodérée pour les biotechnologies venait à surpasser la raison. Littéralement hypnotiques, les mouvements des berceuses illustrent les discours rassurants d’une industrie s’émancipant de toute forme de contrôle.

Enfin, comment envisager la notion de travail sans évoquer l’exploitation et la précarité résultant de la multiplication des plateformes numériques ? Ce dont se charge l’artiste Ernestyna Orlowska, qui vit en Suisse, avec la performance Make Your Body Your Machine, équipée d’un sac isotherme de livraison rembourré sur le dos. L’outil de travail ainsi détourné autorise des mouvements qui participent d’une chorégraphie plutôt drôle alors que le sujet ne l’est pas. L’image de cette création quelque peu “décalée” fait l’identité visuelle de cette exposition qui démontre l’asservissement du corps des femmes par les techniques entre autres technologies.

Article rédigé par Dominique Moulon pour Art Absolument.

L’exposition s3lf.tech d’Émilie Brout & Maxime Marion au centre d’art de Rennes 40mcube s’articule autour des technologies de personnalisation de soi qui se pratiquent à l’écran. Elle est le résultat d’une résidence effectuée en 2025 à la Villa Kujoyama au Japon par ce duo français attaché aux pratiques numériques et cultures de l’internet. Au centre de s3lf.tech, l’installation éponyme dialogue avec les autres créations de ce premier volet car d’autres suivent, notamment au centre d’art Zoo de Nantes. Nommée Grim3s, celle qui s’adresse à nous dans l’image durant un streaming est inspirée de l’auteure-compositrice-interprète Grimes qui a créé une application permettant de s’approprier sa voix. Un service en ligne qui tend à renforcer les inquiétudes de l’industrie musicale à l’ère de l’intelligence artificielle générative. C’est sous les traits d’un avatar en trois dimensions que Grim3s échange avec sa communauté comme le font celles et ceux qui s’adonnent au VTubing. La question du double est donc centrale à cette installation autour de laquelle se développe l’entièreté de l’exposition. D’autant qu’après avoir présenté son clip Glass Doll – autre composante de s3lf.tech l’exposition – la VTubeuse fait la promotion de s3lf.tech l’interface qui permettrait à qui le souhaiterait de devenir Grim3s. Nous nous faisons progressivement embarquer au sein d’une forme de fiction de fan – par essence communautaire – qu’Émilie Brout & Maxime Marion ont augmenté de curiosités entre autres bogues.

Citons parmi les étrangetés qui se déploient ici le personnage de Kageusa qui soigne les Tamagotchi, présente au sein de plusieurs pièces dont l’installation vidéo Do you feel that too? Utilisatrice de l’application s3lf.tech, elle se plaint d’une extrême fatigue qui ne fait que renforcer un sentiment de dédoublement de la personnalité. Quant aux bogues, il en est un qui dévoile l’envers du décor de la mise en scène de l’installation vidéo s3lf.tech. Au point que l’on ne sache plus distinguer la fiction d’une supposée réalité qui bascule à son tour en hallucination. Sans omettre les éléments – un clavier personnalisé, une fenêtre métamorphosée, une poupée articulée – qui semblent avoir été extraits des séquences d’animation en trois dimensions pour créer des passages entre représentation et matérialité. Nous n’avons cessé de reconsidérer notre relation aux identités multiples depuis l’émergence des médias sociaux qui, de plus, amplifient les communautés de niche. De son côté, la démocratisation des intelligences artificielles génératives incite à reconsidérer notre rapport à la réalité. Et peut-être que le point capital de cette exposition aux très multiples entrées et références, n’est autre que la circulation des pratiques ou usages qui soulèvent leur lot de questions en oscillant entre les cultures populaires et l’art contemporain, lieu, s’il en est encore, du possible déplacement des lignes.

Rédigé par Dominique Moulon pour ArtPress.

Il est en été bien des amatrices et amateurs d’art ou de culture qui migrent en Provence-Alpes-Côte d’Azur tant il y a de rencontres entre autres festivals. Là où des villes comme Arles en photographie ou Avignon en théâtre sont aussi connues pour leurs événements. Et au fil du temps, les offres artistiques et culturelles n’ont cessé de se renforcer en cette même région, une invitation au parcours.

C’est en 2014 que la Fondation Vincent van Gogh Arles où se tient actuellement l’exposition thématique Suspects a ouvert ses portes. L’installation confrontant les créations vidéo I’m sorry et No, No, No de la série Clown Torture (1987) de Bruce Nauman y est tout à fait à sa place. Surtout la première pièce où une clownesse semble s’excuser en répétant énergiquement « I’m sorry for what I did. I don’t know why I did it ». Au-delà de la performance qui est véritablement impressionnante, littéralement envoutante, on pense à toutes les victimes de tortures physiques ou psychologiques qui finissent par avouer des crimes qu’elles n’ont pas commis. L’œuvre a été prêtée par la Collection Pinault, ce qui renvoie à la multiplication des fondations et collections renforçant les programmations des institutions muséales françaises et plus largement européennes.

Le dernier des lieux privées à voir le jour en région Provence-Alpes-Côte d’Azur en 2026, c’est le Fonds Bustamante Arles avec une exposition inaugurale intitulée En miroirs. Celle-ci regroupe les œuvres d’une vingtaine d’artistes qui dialoguent avec celles de Jean-Marc Bustamante. On y découvre ou redécouvre l’installation lumineuse I tempi doppi (2014) de Tatiana Trouvé. Deux ampoules – l’une allumée, l’autre éteinte et neutralisée avec de la peinture noire qui vient en soustraire la valeur d’usage – sont raccordées par une tige ayant été intensément recourbée sur elle-même. Comme si les deux ampoules constituaient les passés ou futurs l’une de l’autre, vers l’obscurité ou la lumière. Il y a dans cette pièce véritablement sculptée une étrangeté conceptuelle qui amène à s’interroger sur les questions du double, de la différence et du contraire.

Déjà, en 2022, un artiste avait choisi Arles pour présenter sa collection associée à des expositions temporaires : Lee Ufan. Cette même collection vient d’intégrer une nouvelle installation, sonore celle-ci, intitulée Relatum – Soundbox (2024). Comme c’est souvent le cas dans le travail du Sud-Coréen, la sculpture mêle le métal au minéral, bien qu’elle soit augmentée de son, ce qui est plus rare dans son corpus. Régulièrement, le cylindre rompt le silence pour s’adresser à la pierre en émettant une sorte de vrombissement qui pourrait provenir des tréfonds de la terre. S’en suivent quelques clameurs collectives, puis des voix davantage singulières, comme si l’on s’adressait à nous sans que l’on sache de quoi il retourne. La confrontation est centrale aux recherches de Lee Ufan, des surfaces entre elles, aux volumes, en tension. Avec Soundbox, œuvre ouverte aux interprétations s’il en est, elles sont de différentes natures.

C’est en 2021 que Luma Arles inaugure son complexe artistique et culturel où, parmi les œuvres ou expositions de cet été 2026, est présentée la séquence vidéo intégrant de l’animation In their veins de Camille Henrot. L’artiste y croise le monde de l’enfance avec celui des adultes en traitant de la découverte comme de la perte. Car si l’imagerie animalière joue un rôle déterminant dans l’apprentissage des enfants, dans le même temps bien des espèces disparaissent. Le soin, quant à ces mêmes espèces que nos activités menacent d’extinction, tient un rôle important dans la création In their veins où des scènes familiales en intérieur côtoient celles de protestations en extérieurs, sans que jamais le film ne soit véritablement militant. Il s’agit plutôt d’un constat qui, bien qu’alarmant, est traité avec une relative distance, comme teinté d’une forme de résistance par la bienveillance.

Terminons notre parcours avec la Collection Lambert qui s’est installée à Avignon en 2000 pour évoquer la participation de Geumhyung Jeong à l’exposition Le murmure des Libres. On y retrouve la question du soin, mais celui porté à de petits robots aux fonctionnements aléatoires composés d’ossements et d’électronique. L’exposition de la séoulienne est divisées en plusieurs zones, l’une ayant la fonction d’un atelier, alors qu’une autre, avec des écrans, évoque le contrôle. Aussi, des tables permettent de classifier les composants des robots quelque peu anthropomorphiques qui reposent un peu plus loin sur le sol. Rien ici n’est véritablement fixé par l’artiste susceptible de faire évoluer les divers assemblages. Ses machines, lorsqu’elle les active, semblent parfois résister avec des mouvements inattendus. Ce qui a pour effet d’interroger le public sur ces objets sans autre fonction que celle de nous faire réfléchir, notamment au soin et à l’altérité technique. Mais n’est-ce pas là la mission essentielle de l’art, même en période estivale ?

Article rédigé par Dominique Moulon pour TK-21.

Le Feral est un projet collectif fondé en 2024 par l’artiste Fabien Giraud et la curatrice Anne Stenne. Après une première présentation au Museum of Contemporary Art de Sydney, cette utopie qui nous projette jusqu’en 3024 fait étape au Palazzo Diedo de Venise où le Berggruen Arts & Culture accueille l’exposition Strange Rules conçue par les artistes Mat Dryhurst, Holly Herndon et le curateur Hans Ulrich Obrist en collaboration avec la commissaire du palais vénitien Adriana Rispoli. L’événement est dédié aux pratiques protocolaires que le numérique, fort de ses systèmes entre autres règles et instructions, favorise grandement. Un contexte tout à fait adapté au Feral qui s’articule autour de l’entrainement et de l’usage collectif d’une intelligence artificielle. Et sachant que le projet contient aussi un volet enseignement et recherche – intitulé L’Institut – placé sous la responsabilité de la curatrice Ida Soulard et de l’artiste Grégory Chatonsky connu pour ses pratiques et réflexions relatives à l’IA.

Mais alors de quoi s’agit-il ? D’un « film sur 1000 ans réalisé par une intelligence artificielle », annonce le site internet, avec un territoire équipé de capteurs son et image d’une vingtaine d’hectares situé au sein du parc naturel régional du Plateau de Millevaches comme unité de lieu. Sans omettre ses habitantes et habitants qui participent activement aussi au projet. L’idée est d’en suivre les générations successives pendant mille ans. Quand chaque année, des artistes se succèdent pour entrainer le modèle d’IA et générer des créations dont les présentations s’organisent autour des solstices. C’est dire si la technique et la nature sont essentielles à cette œuvre processuelle. Après Sydney et Venise, la présentation de premières versions se poursuivra au Musée d’Art, Architecture et Technologie de Lisbonne, puis au Musée Guggenheim de New York. Le premier artiste du Feral à s’être confronté à cette intelligence artificielle apprenante est Fabien Giraud qui peut ainsi être considéré comme co-auteur, avec celle-ci, du film Epoch 1 monté en temps réel par la machine au Palazzo Diedo. Rappelons qu’une epoch en IA correspond au cycle d’entrainement d’un modèle d’IA qui, ici, nous projette en 1023. Soit à une époque en région limousine où de fortes pluies, très présentes dans le film, avaient provoquées une épidémie d’ergotisme due à la consommation de pain contaminé à l’ergot du seigle dont est dérivé le LSD. Ce qui a pour effet d’établir un parallèle entre les hallucinations des humains et celles des machines, en cette période contemporaine où jamais le réel n’a été autant questionné. Quant à l’équipe du Feral, elle privilégie la notion de “fiction concrète”. Il y a eu des séances de tournage à Cheissoux en Limousin, avant que la machine, inévitablement, n’extravague sans que jamais nous ne sachions la véritable provenance de ce que nous observons à Venise. Et peu importe, dans cette cité riche de tant de fictions aux époques mêlées.

Article rédigé par Dominique Moulon pour Art Absolument.

L’exposition Soft Robots : The Art of Digital Breathing du centre d’art Copenhagen Contemporary a été prolongée jusqu’au mois d’avril. Une chance supplémentaire de découvrir les créations d’une quinzaine d’artistes internationaux réunis par les trois commissaires s’articulant autour de différentes notions : technologie, autonomie, souplesse ou douceur.

Parmi les installations présentées dans les gigantesques salles d’une relative blancheur du Copenhagen Contemporary, il y a Wash de Silas Inoue, artiste dano-japonais dont les recherches oscillent entre nature et technologie. C’est une machine composée des restes d’une automobile qui, littéralement, prend un bain. Alimentée par d’innombrables tubes de plastique, elle semble sous observation, pour son plus grand bien. Les plantes qui l’entourent bénéficient des émanations vaporeuses que ses tuyaux d’échappement émettent, des émissions qui ne constituent en rien une menace. L’entité semble apaisée, comme le sont, on l’imagine, celles et ceux qui pratiquent la thalasso thérapie réparatrice. Car il s’agit bien ici d’une forme d’esthétique de la réparation.

L’idée que des machines puissent respirer ou, plus précisément, expirer est aussi très présente dans l’installation robotique Beyond the Horizon du duo d’artistes A.A.Murakami vivant et travaillant entre Tokyo et Londres. Elle rassemble des modules autonomes qui produisent d’énormes bulles de fumées à intervalles réguliers, illustrant parfaitement leur quête en « technologies de l’éphémère ». Qui-a-t-il, en effet, de plus éphémère et insaisissable que des bulles de savons ? Un phénomène qui a déjà fasciné de nombreux peintres et philosophes et qui renvoie à l’émerveillement de l’enfance. Cela prouve qu’il y a encore de la place pour la contemplation et l’imaginaire dans l’art où se déploient plus habituellement des problématiques sociales, environnementales et politiques.

La question du vivant, ou plus exactement de sa simulation, est prégnante dans l’exposition Soft Robots. Notamment avec cette autre installation robotique intitulée After Care du duo composé par l’Australienne Rhoda Ting et le Danois Mikkel Bojesen. Il s’agit d’un bac de gravillons où une cinquantaine de robots souples aux couleurs désaturées interagissent en petits groupes d’individus. Il convient de prendre son temps pour en déceler les micromouvements qui leurs insufflent vie. Quand, chaque jour, en tout début d’après-midi, il devient possible pour le public de les toucher, on vérifie alors que le contact, plus encore que le regard, augmente l’empathie que l’on ressent envers de telles créatures. Et l’on prend conscience que la véritable connaissance de l’autre, entre nature et technologie, ne peut s’envisager qu’en mobilisant tous nos sens.

Enfin, il y a l’installation Mercurial de l’artiste coréen Yunchul Kim qui exprime le vent. Ses deux structures robotiques sont uniquement composées de métal et de plastique : l’une est posée sur un socle de sculpture alors que l’autre est en suspension dans l’espace, comme on présente ordinairement les mobiles en musée. Quant à leurs “chevelures” de tiges aux multiples reflets argentés, elles sont activées par des rotations motorisées. Ces dernières n’évoluent pas seulement dans l’air, mais elles en simulent les déplacements que chorégraphient les lois de la physique dans l’invisible. L’exposition Soft Robots apaise les esprits en cette époque de grande incertitude géopolitique.

Rédigé par Dominique Moulon pour ArtPress.

Les biennales d’art qui ne cessent de se multiplier depuis les années 1990 comptent parmi les conséquences heureuses de la mondialisation. Parmi les plus récentes d’entre elles à pratiquer cette forme de diplomatie du soft power, la Biennale de Malte présente sa seconde édition sous la responsabilité de la commissaire internationale Rosa Martínez. La thématique Clean | Clear | Cut, « conçue pour susciter une série de réflexions et d’actions qui appellent à une transformation urgente du monde dans lequel nous vivons », se déploie sur onze lieux dont le Fort Saint-Elme de La Valette qui accueille sept pavillons nationaux incluant celui de la France investi par Louis-Paul Caron.

L’artiste français a spécialement conçu une installation immersive (projetée à même les pierres du fort) qui s’inscrit dans la continuité de sa série Incendies produite avec de l’intelligence artificielle. L’exposition s’intitule Facing the Challenge, où l’on comprend que le défi à relever est celui du réchauffement climatique, sachant que notre responsabilité collective ne fait plus aucun doute comme s’accorde à le démontrer la communauté scientifique depuis les années 2010. La situation imaginée par Louis-Paul Caron est quelque peu complexe car on ne sait pas exactement si les protagonistes observent le film d’un incendie ou un véritable incendie. Après avoir été le décor de films comme Midnight Express ou Gladiator, le Fort Saint-Elme devient ainsi le théâtre d’une torpeur collective dont nous devons nous extraire pour faire face aux incertitudes à venir.

L’autre thématique sociétale résolument contemporaine que porte aussi cette œuvre immersive du Pavillon Français, c’est celle de l’intelligence artificielle générative qui a été centrale dans la production de telles images. L’outil, ou plutôt le medium mis en œuvre, confère une inquiétante étrangeté aux flammes comme aux fumées. Quant à l’esthétique générale de cette création présentée en exclusivité à Malte, elle emprunte tant à la peinture réaliste américaine qu’aux plans panoramiques en cinémascope ou aux mises en scène de la photographie contemporaine. C’est donc en croisant les imaginaires, incluant celui de la machine, que l’artiste nous alerte sur ce qui, même dans le lointain, nous menace. Il est intéressant de remarquer ici que l’archipel maltais, parce que sans forêt, ni rivière, n’est guère menacée par les mégafeux. Cependant, la gestion de ses nappes phréatiques en climat méditerranéen constitue évidemment un défi. Quant à l’intelligence artificielle qui cristallise actuellement toutes nos attentions, mais d’un point de vue davantage social, elle ne remplace ici aucunement l’artiste qui, en l’utilisant, a appris à la connaître pour dialoguer avec elle. L’exposition Facing the Challenge organisée par l’ambassade de France à Malte est soutenue par la fondation B&B Riccobono en préfiguration d’un réseau de musées dédiés à l’art immersif et à l’intelligence artificielle (MAiiA) en méditerranée.

Article rédigé par Dominique Moulon pour Art Absolument.

Que serait aujourd’hui le monde de l’art contemporain en Europe sans ses fondations comme Pirelli HangarBicocca à Milan ou Centro Botín à Santander ? Ces structures italienne et espagnole se sont associées pour produire l’exposition monographique Entanglements de la Japonaise Yuko Mohri (1980). A Milan, nous sommes accueillis par l’installation I/O de 2011 que l’artiste fait évoluer au gré des contextes. Les termes I et O, pour Input et Output, livrent une indication sur sa pièce autant que sur sa pratique associant fréquemment des entrées à des sorties pour générer des mouvements et des sons semi-contrôlés. A l’entrée de cette installation sonore, les lents mouvements de longs rubans de papier blanc se chargent de fines particules noires au contact du sol. Ce qui, dans nos foyers, évoque des problèmes d’impression et, dans des laboratoires, traduit l’activité des sismographes que scrutent les scientifiques, au Japon tout particulièrement. Les spectres en question sont interprétés par des capteurs dont les signaux, en sortie, activent des objets du quotidien générant des sons aléatoires.

Le quotidien compte parmi les inspirations de Yuko Mohri. Notamment quand elle crée une série de Variations autour des fuites d’eau consécutives à l’activité des forces telluriques qui agitent les sous-sols du Japon, jusque dans les stations de métro de Tokyo où les employés des échoppes dressent des aménagements de fortune pour préserver leurs marchandises. Il y a une forme de fragilité dans le travail de cette artiste qui intègre la notion de disfonctionnement dans ses œuvres. Le temps est aussi une composante essentielle de ses pièces qui ne sont jamais véritablement statiques, soumises à minima à de micromouvements. On retrouve dans le parcours de l’exposition une nouvelle version de l’installation Decomposition qui avait été présentée à la Biennale de Venise. A l’entrée, des signaux électriques sont générés par des fruits en décomposition. On pense alors aux natures mortes de la peinture occidentale saisissant les instants d’inexorables transformations, mais aussi au Kusōzu de la philosophie orientale, qui consiste en la contemplation des différentes étapes d’une décomposition. Pendant l’exposition, ces étapes prennent la forme de bandes monochromes grises à l’écran. L’interface de Decomposition nous permet ainsi d’observer les fruits comme d’en connaître les états intrinsèques si tant est que nous soyons à même de décrypter l’image abstraite qui renvoie tout autant à la quête du sublime en art minimal. Évoquons enfin la puissance sonore du dispositif You Locked Me Up in a Grave, You Owe Me at Least the Peace of a Grave (2018) avec lequel l’artiste questionne tant les idées que les esthétiques révolutionnaires des siècles derniers tout en s’inspirant de l’enceinte acoustique amplifiée inventée par l’ingénieur américain Donald Leslie en 1937. D’autres créations sont à découvrir à Milan (jusqu’au 11 janvier prochain), puis à Santander du 28 mars au 6 septembre 2026.

Article rédigé par Dominique Moulon pour Art Absolument.

Du 4 au 21 décembre dernier, le festival ]interstice[ de Caen présentait les créations numériques sonores et lumineuses d’une trentaine d’artistes au sein de douze lieux. Des parcours diurnes et nocturnes qui se déployaient dans l’école d’art et des équipements culturels entre autres sites patrimoniaux de cette ville créative de l’UNESCO depuis 2023.

C’est à l’école supérieure d’arts et médias de Caen/Cherbourg que la 19^e édition du festival ]interstice[ a été inaugurée avec une performance et deux installations sonores dont celle de Virgile Abela intitulée Infinite Pendulums. Il s’agit de quatre sphères identiques et transparentes permettant par conséquent de découvrir les mécanismes qui en activent les mouvements de balancier de part et d’autre d’un microphone suspendu. Chaque pendule étant équipé de hauts parleurs, il s’en suit un effet Larsen qui emplit l‘espace d’infinies variations accompagnées de modulations de lumières colorées. Les lois de la physique, dont la gravité, participent ainsi grandement à l’élaboration de la musique générée en temps réel par cet instrument déambulatoire. Au point que l’on peut qualifier les expériences des auditrices et auditeurs d’unique, puisque jamais elles ne se répètent à l’identique.

L’écho des pierres de Julien Poidevin est une autre installation in situ de la programmation en journée d’]interstice[ placée au sein de la Coopérative Chorégraphique qui occupe le Sépulcre de Caen. Elle invite le public à découvrir quatre éléments rotatifs composés de miroirs et de haut-parleurs directionnels disposés de façon que les sons émis se répercutent de surface en surface pour nous englober. Notre regard peine à suivre les rebonds qui, de toute façon, se déplacent dans l’invisible. Dans l’alignement, Porz An Park & Arnaud Gerniers se jouent tout autant de notre perception visuelle en nous présentant un autre disque dont l’aura lumineuse qui l’entoure, en convoquant le divin en un tel lieu, ne se situe pas tout à fait là où on la pressentait. S’inscrivant dans la continuité des anciens qui utilisaient l’immatérialité de l’or pour représenter les nimbes en peinture, les deux artistes préfèrent les lois de l’optique en sculpture.

Le festival ]interstice[ propose de multiples expériences qui, littéralement, se vivent, comme c’est encore le cas avec l’installation sono-lumineuse Ataraxie de Maxime Houot présentée au sein de l’église Saint-Nicolas du parcours nocturne. Les rayons lasers de lumière rouge qui prolongent une rangée de bras articulés balayent l’espace selon une progression rythmée par une musique électronique de nappes. L’œuvre performative communique sa couleur à l’église dont l’architecture intérieure accueille parfaitement les maillages de différents types, allant du chaos absolu à des tressages tout particulièrement englobants. Nous habitons l’œuvre bien que nous soyons, pour des raisons de sécurité, à bonne distance des surfaces balayées. Nos pensées s’abandonnent aux évolutions de ses temporalités. Rappelons que le terme “ataraxie”, en Grec, désigne une forme de quiétude.

Une étrange machine tout particulièrement scénographiée par la lumière comme par le son se donne en spectacle aux Écuries Lorge. Conçue, puis améliorée au fil de ses résidences par Alexis Choplain, Hydroscope se compose de six unités identiques reliées par une courbe sinusoïdale à l’extrême souplesse. On pense alors au traitement du signal bien que s’en approcher permet d’identifier sa nature liquide qui convoque, quant à elle, la mécanique des fluides. A l’observation de ce qui a l’allure d’une expérience de laboratoire, nous vérifions que la magie de l’eau, sculptée tant par la gravité que par la lumière qui la révèle, opère sur notre perception. Alexis Choplain compte parmi les quelques artistes qui considèrent l’élément aquatique non comme un sujet mais comme un medium à grand renfort de techniques et technologies. Car de tels dispositifs sont compliqués à mettre en place au sein de musée ou centre d’art. C’est aussi à cela qu’œuvrent les festivals du réseau national Hacnum des arts hybrides et cultures numériques dont les terrains d’action se situent à la périphérie des préoccupations institutionnelles.

C’est une autre forme de magie qui opère au Centre chorégraphique national de Caen. Celle du magnétisme qui permet à Guillaume Cousin de contrôler les surfaces d’eau de trois bassins. Confortablement assis, le public contemple les formations et déformations de ce qui convoque la biologie cellulaire, le tout augmenté de sons étirés de cordes en vibration. Qui n’a jamais observé la formation d’ondes à la surface d’eaux calmes avec les rayons d’un soleil levant ou couchant ? L’éternel retour, selon Nietzsche, c’est la promesse de revivre des instants similaires, illuminations que ce dernier eut aux abords d’un lac Suisse aux eaux paisibles. Ce que nous propose Guillaume Cousin, c’est d’observer à nouveau le spectacle d’une eau si nécessaire à la vie et à lumière rasante. Quand la promesse nous est faite par l’équipe du festival ]interstice[ de vivre à nouveau des expériences aussi rares que fascinantes en cette ville de Caen.

Article rédigé par Dominique Moulon pour TK-21.

L’artiste britannique gallois Cerith Wyn Evans poursuit son tour du monde des grandes institutions publiques et privées. C’est actuellement à Lisbonne que ses installations lumineuses irradient les salles du Musée d’Art, Architecture et Technologie (MAAT) situé sur les rives du Tage.

L’étirement extrême des façades extérieures du MAAT conçu par l’architecte britannique Amanda Levete confère une douce atmosphère à sa principale salle intérieure. Là où Cerith Wyn Evans, en dialogue avec le commissaire Sérgio Mah, a disposé l’installation Forms in Space… by Light (in Time) de 2017 qui donne son titre à cette exposition monographique. Celle-ci se compose d’une myriade de lignes et de courbes en néon suspendues formant ensemble un nuage semi-chaotique de signes photoniques dont le public fait l’expérience dans la durée de sa descente de la rampe ovale du musée de la Fondation EDP. Les signes qui donnent à l’œuvre une allure langagière sont de deux types évoquant deux des douces obsessions de l’artiste né en 1958 et qui vit entre Londres et Norfolk. Tout d’abord, Les témoins oculistes que Cerith Wyn Evans emprunte à Marcel Duchamp dont on sait l’intérêt qu’il portait pour l’optique et qui révèlent l’approche conceptuelle du Gallois. Et les dessins de mouvements d’enchaînements de katas du théâtre nô dont il est grand amateur. Les sons cristallins produits par la sculpture Composition for Flutes de 2017 ajoutent aux multiples temporalités que dessinent dans l’espace les éléments de Forms in Space… by Light (in Time). Entièrement en verre, donc totalement transparente, Composition for Flutes reproduit le fonctionnement d’un orgue. Autonome car contrôlée par un algorithme, elle alimente en air ambiant des flutes de cristal qui s’accordent pour générer un même souffle infini modulé d’étranges variations.

Cerith Wyn Evans, qui a étudié à la Saint Martin’s School à la fin des années quatre-vingt alors qu’il était surveillant à la Tate de Londres, a une approche conceptuelle de l’art, tout en questionnant d’autre tendance comme l’art minimal. Ces deux courant ont en commun le néon, un médium qu’il aborde à partir de 1994 avec TIX3 que, littéralement, il dissimule dans le faux-plafond de la galerie 1 située en sous-sol. Une pièce résolument conceptuelle qu’il associe à un moment de vie ordinaire où cherchant désespérément la sortie dans l’espace labyrinthique d’un cinéma dont il voulait fuir la projection, le reflet inversé de l’enseigne lumineuse EXIT le libéra. Son attachement au minimalisme, Cerith Wyn Evans le souligne avec les pièces de sa série Neon after Stella (2022). Elles constituent un hommage aux Black Paintings de Frank Stella : il les redessine en creux ou en réserve pour n’en préserver que les squelettes de lumière blanche avec lesquelles il irradie la galerie 1 du MAAT ainsi métamorphosée en un espace immersif. L’atmosphère est ponctuée d’arbustes, comme pour préserver une relation au réel, ou plus précisément à la nature que simulent les jardins d’hiver au climat singulier que l’artiste affectionne. L’exposition réunit au total une trentaine de créations de Cerith Wyn Evans à découvrir au MAAT jusqu’au 16 février 2026, année du dixième anniversaire de la programmation du musée qui a été initiée au sein de l’ancienne centrale électrique de Tejo.

Rédigé par Dominique Moulon pour ArtPress.

Au cœur de la Biennale Némo de la région Île-de-France, l’exposition “Les illusions retrouvées” du Centquatre-Paris présente une trentaine de créations témoignant de “Nouvelles utopies à l’ère numérique”, le thème de cette sixième édition.

C’est Gilles Alvarez, le directeur artistique de la Biennale Némo, qui a conçu l’exposition Les illusions retrouvées en collaboration avec José-Manuel Gonçalvès qui vient de céder la direction du Centquatre à Valérie Senghor. Le week-end d’ouverture est un temps particulier car augmenté d’installations et de performances, comme celle de bit.studio intitulée Flock Of. Le studio thaïlandais basé à Bangkok invite à une expérience à vivre entouré de poissons aux surfaces miroitantes en suspension. On pense au Silver Clouds de 1966 signé Andy Warhol, mais les ballons de la salle 200 sont équipés de mécanismes miniaturisés qui les font se mouvoir. Et ce sont leurs formes qui nous incitent à y voir un banc de poissons aux déplacements imprévisibles.

L’autre installation tout aussi immersive et renvoyant également aux cultures populaires est située dans l’Atelier 2. Le Mégamix du Louvre-Lens d’Inook, comme son titre l’indique, est une collaboration du bureau de création lyonnais fondé par Moetu Batlle et David Passegand avec le musée du Louvre dont on sait l’étendu des collections de chefs-d’œuvre. Bien que ceux-ci soient détournés pour interpréter des tubes intergénérationnels, chacun et chacune s’y retrouvera, car quoi de plus naturel, pour une exposition faisant la part belle à l’intelligence artificielle, que de considérer les pratiques créatives du deepfake.

Dans la zone thématisée “Renaissance”, les temporalités se collisionnent, comme c’est le cas avec l’installation Désert de Retz II d’Anne Bourrassé et Mounir Ayache. Le titre évoque le jardin du Désert de Retz initié au XVIII^e siècle près de Chambourcy et ses architectures utopiques aux multiples inspirations civilisationnelles. La scénographie à la blancheur extrême magnifiant les maquettes qui en témoignent propulse celles-ci dans l’imaginaire d’un futur que Stanley Kubrick a conçu avec 2001, l’Odyssée de l’espace en 1968.

Avec la sculpture totémique MeetingPhilip d’Eric Vernhes, ce sont les univers parallèles qui s’entremêlent puisqu’à l’origine de l’œuvre il y a le discours que Philip K. Dick commença à Metz en 1977 en disant : « Si vous trouvez ce monde mauvais, vous devriez voir quelques-uns des autres ». Au centre de cette installation audiovisuelle, incarnant l’auteur de science-fiction, il y a un magnétophone à bandes d’où semblent provenir les lumières et les sons qui lui confèrent une allure rétrofuturiste.

De l’autre côté de la halle Aubervilliers, une autre étrange machine de la zone “Mondes nouveaux” intrigue le public. A l’entrée de ce qui ressemble à un instrument à vent démesuré, le public est invité à prononcer des mots ou générer des sons que le dispositif On Air de Peter van Haaften, Michael Montanaro, Garnet Willis traite. Il les transforme avant de les entremêler pour, enfin, les convertir en lumière et les faire voyager dans la pièce. Nous sommes par conséquent les autrices et auteurs de la symphonie d’un chao organisé qui se joue sous nos yeux à la vitesse de la lumière.

Enfin, la projection Nature Portals de Markos Kay présente une nature autre peuplée de chimères plausibles. Car l’artiste a entrainé un modèle d’intelligence artificielle générative avec une grande quantité de vivants pour qu’un algorithme en invente davantage sans se soucier de leur viabilité. Une nature utopique qui, bien qu’illusoire, incarne visuellement la Biennale Némo dont les événements artistiques s‘étendent à toute l’Ile-de-France jusqu’au 11 janvier 2026.

Rédigé par Dominique Moulon pour ArtPress.